Planeación y Producción de una Película
PRE-PRODUCCIÓN
Guión literario
Consiste en la narración ordenada de la historia, incluyendo los diálogos y la acción; pero no se especifica ninguna indicación técnica.
El guión describe, con mayor o menor minuciosidad no solo la acción y los diálogos de los personajes, sino también el lugar o lugares donde se desarrolla la trama.
Para que un guión literario este completo debe contener:
a) Sinopsis de la historia.
b) Descripción física y psicológica de los personajes.
c) Descripción de las locaciones.
d) Descripción de las escenas.
e) Tratamiento y Continuidad.
Características del Guionista
1. El guionista debe comunicar una acción relacionada con un personaje, pero no explícitamente.
2. Nunca debe hacerse referencia en el texto a una acción que no va a suceder después.
3. El guionista debe recurrir al uso de las palabras para explicar aquello que no se puede explicar ni con la acción ni con la caracterización de un personaje. Es importante recordar en todo momento, que con la imagen es posible ir creando y descubriendo lo más significativo.
4. Todo lo que se explica en un guión debe justificarse en la totalidad de la narración. El guionista debe revisar continuamente su trabajo e intentar suprimir determinadas partes para cerciorarse si éstas son realmente indispensables.
Se debe suprimir todo lo que no sea necesario.
5. Conviene no explicar con palabras el pensamiento del personaje, sino que éste hable por sí mismo, aunque puede admitirse alguna indicación que ayude a la comprensión del texto y su interpretación por parte del lector.
6. No son necesarias las indicaciones de tipo literario sobre el diálogo de los personajes, como: "tal persona dice...", "afirma que...", etc.
7. La acción debe mantenerse a lo largo de toda la obra. El ritmo de la acción no puede decaer, y mucho menos retroceder. La acción debe ser ininterrumpida.
8. No se debe conceder más espacio del necesario a la acción y a los personajes. En cualquier fase o momento del desarrollo de la acción es necesario acortar los preámbulos y situar al espectador directamente en plena acción.
9. Cuando se introduce algo inesperado en la obra, siempre debe justificarse. El espectador debe ver claramente el porqué.
Recomendaciones en la redacción del guión
En la redacción de nuestro guión hay que tomar muy en cuenta 5 cualidades básicas del buen estilo literario:
1. Claridad: un estilo es claro cuando el pensamiento del escritor está al alcance de un hombre de cultura media.
Esto no significa que sólo con tener las ideas claras, éstas serán expresadas con claridad. Por esta razón, es preciso que la construcción de las frases responda a un orden lógico, de tal forma que no provoque dudas ni malas interpretaciones. Hay que evitar las frases obscuras o ambiguas.
2. Concisión: consiste en emplear las palabras que expresen, en la forma más precisa, aquello que se quiere comunicar. La concisión exige que se eviten las ideas secundarias, lo superfluo, las palabras ociosas y los párrafos de relleno.
Sin embargo, esto no debe limitar la imaginación del guionista ni la magia de la palabra. Escribir en forma concisa no significa hacer un trabajo corto. "Literalmente no hay trabajos cortos ni largos, sino bien o mal escritos", dice Martín Vivaldi (1977).
3. Sencillez: una redacción sencilla es aquella en la que el escritor utiliza palabras y frases fáciles de comprender; es decir, cuando la construcción no es artificiosa o complicada.
La sencillez otorga a la redacción un tono de veracidad expresiva y atracción.
4. Naturalidad: la naturalidad consiste en escribir con palabras apropiadas, simples y exactas. Para escribir naturalmente hay que utilizar sólo las palabras que el tema exige. El caso contrario es escribir rebuscadamente.
5. Originalidad: la originalidad no depende tanto del tema que se trata sino del modo en que se trate. Así, la originalidad reside, según Albat, "en el modo de decir las cosas, de expresar las ideas, de hacer ver el fondo". De esta manera, un trabajo original es aquel que se acerca más a la profundidad del asunto y que lo sabe expresar, para lo cual es necesario alejarse de las frases hechas, de los lugares comunes.
Los diálogos
Constituyen uno de los recursos más importantes para la redacción del guión literario, ya que éstos son un elemento de la acción de los personajes.
Los diálogos deben escribirse de tal forma que dibujen temática y psicológicamente a los distintos personajes. Por otro lado, debe evitarse la redundancia entre los diálogos y la imagen, a menos que se justifique.
El guionista debe poner a prueba la validez de los diálogos, no sólo adaptándolos a los personajes, acción o contexto, sino seleccionándolos a nivel de frases y palabras.
El guionista debe redactar los diálogos de tal forma que resulten naturales a sus personajes, es decir, que no se sientan las frases fabricadas, artificiales o falsas, sino que el lenguaje de los personajes corresponda a la forma como se expresarían en la vida cotidiana.
Tipos de diálogo
Podemos distinguir 3 diferentes tipos de diálogo:
a) Diálogos de Generalidades: se incluye todo aquello que resulta absolutamente necesario para dar realidad a la escena, aunque carezca de importancia para el desarrollo del tema: saludos, despedidas, indicaciones, etc.
b) Diálogos Activos: sirven para justificar las ideas e introducciones de algunos personajes, para interrumpir conversaciones y, en general, para dar realismo a la escena, así como para trasladar la acción de un ambiente a otro, como complemento de la imagen.
c) Diálogos Expresivos: son los diálogos típicamente dramáticos, constituidos por frases que expresan siempre los pensamientos, las opiniones o las intenciones de los personajes.
Argumento Cinematográfico
Se considera como el paso previo a la realización del guión técnico, aquí se cuenta la historia en términos literarios pero ya se incluyen algunos aspectos técnicos como su división en escenas y secuencias numeradas.
Un argumento debe contener la sinopsis de la historia, su tratamiento y la continuidad de la misma.
Sinopsis
Es un resumen de la historia donde se describen las características de la trama.
Tratamiento
Es la introducción de los diálogos en la historia.
Continuidad
En esta etapa la historia se separa por escenas y secuencias numeradas.
Guión técnico
El guión técnico se distingue fundamentalmente del literario porque añade a este último los datos técnicos necesarios para su realización. Se puede decir que el guión técnico es la última de las fases narrativas en el proceso creativo del guión.
El guión técnico cinematográfico aparece dividido, en primer término, en secuencias y escenas.
Para cada escena, que aparece cronológicamente numerada, se indica el lugar donde se va a desarrollar, con las siguientes indicaciones:
a) Interior o Exterior: según se desarrolle, dentro o fuera de los estudios o en ambiente natural.
b) Mañana, Día, Tarde, Noche: por lo que se refiere al tiempo o momento en que se desarrolla la acción.
c) El lugar específico donde se va a desarrollar la acción; jardín, restaurante, cuarto de juegos, etc.
El guión se redacta en dos columnas verticales, además de la columna referente al número de toma; en algunos guiones se destina otra columna especial para los planos.
En la columna de la izquierda se describe la acción, o sea el "vídeo", de acuerdo a las siguientes indicaciones:
a) Planos (iniciales de éstos).
b) Movimientos de la cámara.
c) Descripción de la acción.
d) Efectos de transición.
e) Otras indicaciones técnicas.
En la columna de la derecha se describe el "audio", de acuerdo a los siguientes datos:
a) Texto.
b) Diálogos.
c) Música.
d) Efectos sonoros: ruidos, sonidos ambientales, etc.
e) Silencios específicos.
Guión literario
Consiste en la narración ordenada de la historia, incluyendo los diálogos y la acción; pero no se especifica ninguna indicación técnica.
El guión describe, con mayor o menor minuciosidad no solo la acción y los diálogos de los personajes, sino también el lugar o lugares donde se desarrolla la trama.
Para que un guión literario este completo debe contener:
a) Sinopsis de la historia.
b) Descripción física y psicológica de los personajes.
c) Descripción de las locaciones.
d) Descripción de las escenas.
e) Tratamiento y Continuidad.
Características del Guionista
1. El guionista debe comunicar una acción relacionada con un personaje, pero no explícitamente.
2. Nunca debe hacerse referencia en el texto a una acción que no va a suceder después.
3. El guionista debe recurrir al uso de las palabras para explicar aquello que no se puede explicar ni con la acción ni con la caracterización de un personaje. Es importante recordar en todo momento, que con la imagen es posible ir creando y descubriendo lo más significativo.
4. Todo lo que se explica en un guión debe justificarse en la totalidad de la narración. El guionista debe revisar continuamente su trabajo e intentar suprimir determinadas partes para cerciorarse si éstas son realmente indispensables.
Se debe suprimir todo lo que no sea necesario.
5. Conviene no explicar con palabras el pensamiento del personaje, sino que éste hable por sí mismo, aunque puede admitirse alguna indicación que ayude a la comprensión del texto y su interpretación por parte del lector.
6. No son necesarias las indicaciones de tipo literario sobre el diálogo de los personajes, como: "tal persona dice...", "afirma que...", etc.
7. La acción debe mantenerse a lo largo de toda la obra. El ritmo de la acción no puede decaer, y mucho menos retroceder. La acción debe ser ininterrumpida.
8. No se debe conceder más espacio del necesario a la acción y a los personajes. En cualquier fase o momento del desarrollo de la acción es necesario acortar los preámbulos y situar al espectador directamente en plena acción.
9. Cuando se introduce algo inesperado en la obra, siempre debe justificarse. El espectador debe ver claramente el porqué.
Recomendaciones en la redacción del guión
En la redacción de nuestro guión hay que tomar muy en cuenta 5 cualidades básicas del buen estilo literario:
1. Claridad: un estilo es claro cuando el pensamiento del escritor está al alcance de un hombre de cultura media.
Esto no significa que sólo con tener las ideas claras, éstas serán expresadas con claridad. Por esta razón, es preciso que la construcción de las frases responda a un orden lógico, de tal forma que no provoque dudas ni malas interpretaciones. Hay que evitar las frases obscuras o ambiguas.
2. Concisión: consiste en emplear las palabras que expresen, en la forma más precisa, aquello que se quiere comunicar. La concisión exige que se eviten las ideas secundarias, lo superfluo, las palabras ociosas y los párrafos de relleno.
Sin embargo, esto no debe limitar la imaginación del guionista ni la magia de la palabra. Escribir en forma concisa no significa hacer un trabajo corto. "Literalmente no hay trabajos cortos ni largos, sino bien o mal escritos", dice Martín Vivaldi (1977).
3. Sencillez: una redacción sencilla es aquella en la que el escritor utiliza palabras y frases fáciles de comprender; es decir, cuando la construcción no es artificiosa o complicada.
La sencillez otorga a la redacción un tono de veracidad expresiva y atracción.
4. Naturalidad: la naturalidad consiste en escribir con palabras apropiadas, simples y exactas. Para escribir naturalmente hay que utilizar sólo las palabras que el tema exige. El caso contrario es escribir rebuscadamente.
5. Originalidad: la originalidad no depende tanto del tema que se trata sino del modo en que se trate. Así, la originalidad reside, según Albat, "en el modo de decir las cosas, de expresar las ideas, de hacer ver el fondo". De esta manera, un trabajo original es aquel que se acerca más a la profundidad del asunto y que lo sabe expresar, para lo cual es necesario alejarse de las frases hechas, de los lugares comunes.
Los diálogos
Constituyen uno de los recursos más importantes para la redacción del guión literario, ya que éstos son un elemento de la acción de los personajes.
Los diálogos deben escribirse de tal forma que dibujen temática y psicológicamente a los distintos personajes. Por otro lado, debe evitarse la redundancia entre los diálogos y la imagen, a menos que se justifique.
El guionista debe poner a prueba la validez de los diálogos, no sólo adaptándolos a los personajes, acción o contexto, sino seleccionándolos a nivel de frases y palabras.
El guionista debe redactar los diálogos de tal forma que resulten naturales a sus personajes, es decir, que no se sientan las frases fabricadas, artificiales o falsas, sino que el lenguaje de los personajes corresponda a la forma como se expresarían en la vida cotidiana.
Tipos de diálogo
Podemos distinguir 3 diferentes tipos de diálogo:
a) Diálogos de Generalidades: se incluye todo aquello que resulta absolutamente necesario para dar realidad a la escena, aunque carezca de importancia para el desarrollo del tema: saludos, despedidas, indicaciones, etc.
b) Diálogos Activos: sirven para justificar las ideas e introducciones de algunos personajes, para interrumpir conversaciones y, en general, para dar realismo a la escena, así como para trasladar la acción de un ambiente a otro, como complemento de la imagen.
c) Diálogos Expresivos: son los diálogos típicamente dramáticos, constituidos por frases que expresan siempre los pensamientos, las opiniones o las intenciones de los personajes.
Argumento Cinematográfico
Se considera como el paso previo a la realización del guión técnico, aquí se cuenta la historia en términos literarios pero ya se incluyen algunos aspectos técnicos como su división en escenas y secuencias numeradas.
Un argumento debe contener la sinopsis de la historia, su tratamiento y la continuidad de la misma.
Sinopsis
Es un resumen de la historia donde se describen las características de la trama.
Tratamiento
Es la introducción de los diálogos en la historia.
Continuidad
En esta etapa la historia se separa por escenas y secuencias numeradas.
Guión técnico
El guión técnico se distingue fundamentalmente del literario porque añade a este último los datos técnicos necesarios para su realización. Se puede decir que el guión técnico es la última de las fases narrativas en el proceso creativo del guión.
El guión técnico cinematográfico aparece dividido, en primer término, en secuencias y escenas.
Para cada escena, que aparece cronológicamente numerada, se indica el lugar donde se va a desarrollar, con las siguientes indicaciones:
a) Interior o Exterior: según se desarrolle, dentro o fuera de los estudios o en ambiente natural.
b) Mañana, Día, Tarde, Noche: por lo que se refiere al tiempo o momento en que se desarrolla la acción.
c) El lugar específico donde se va a desarrollar la acción; jardín, restaurante, cuarto de juegos, etc.
El guión se redacta en dos columnas verticales, además de la columna referente al número de toma; en algunos guiones se destina otra columna especial para los planos.
En la columna de la izquierda se describe la acción, o sea el "vídeo", de acuerdo a las siguientes indicaciones:
a) Planos (iniciales de éstos).
b) Movimientos de la cámara.
c) Descripción de la acción.
d) Efectos de transición.
e) Otras indicaciones técnicas.
En la columna de la derecha se describe el "audio", de acuerdo a los siguientes datos:
a) Texto.
b) Diálogos.
c) Música.
d) Efectos sonoros: ruidos, sonidos ambientales, etc.
e) Silencios específicos.
El storyboard
El storyboard consiste en una serie de pequeños dibujos ordenados en secuencia de las acciones que se van a filmar o grabar, de manera que la acción de cada escena se presenta en términos visuales.
En el storyboard cada dibujo va acompañado de un comentario descriptivo de la acción, narración o diálogo. El producto final es muy parecido a una tira cómica, con viñetas individuales que presentan las imágenes más importantes del desarrollo de la historia.
Naturalmente, estas imágenes corresponden a planos o tomas específicas de cada escena con base en emplazamientos o posiciones de cámara específicos.
Debajo de cada viñeta se escribe brevemente la siguiente información:
a) Número de escena.
b) Número de secuencia.
c) Identificación (día - noche, mañana - tarde, interior - exterior).
d) Número de plano o imagen.
e) Descripción de la acción.
f ) Descripción del audio (diálogo, música y/o sonidos).
g) Observaciones.
Entre una y otra viñeta se indica la manera en que se dará la transición entre imágenes, que puede ser de la siguiente manera:
a) Por corte directo: no se indica.
b) Travelling lateral: derecha, izquierda.
c) Dolly: in, back.
d) Tilt: up, down.
e) Panorámicas: pan right, pan left.
f ) Zoom: in, back.
g) Disolvencia:
h) Fade: in, out.
El storyboard consiste en una serie de pequeños dibujos ordenados en secuencia de las acciones que se van a filmar o grabar, de manera que la acción de cada escena se presenta en términos visuales.
En el storyboard cada dibujo va acompañado de un comentario descriptivo de la acción, narración o diálogo. El producto final es muy parecido a una tira cómica, con viñetas individuales que presentan las imágenes más importantes del desarrollo de la historia.
Naturalmente, estas imágenes corresponden a planos o tomas específicas de cada escena con base en emplazamientos o posiciones de cámara específicos.
Debajo de cada viñeta se escribe brevemente la siguiente información:
a) Número de escena.
b) Número de secuencia.
c) Identificación (día - noche, mañana - tarde, interior - exterior).
d) Número de plano o imagen.
e) Descripción de la acción.
f ) Descripción del audio (diálogo, música y/o sonidos).
g) Observaciones.
Entre una y otra viñeta se indica la manera en que se dará la transición entre imágenes, que puede ser de la siguiente manera:
a) Por corte directo: no se indica.
b) Travelling lateral: derecha, izquierda.
c) Dolly: in, back.
d) Tilt: up, down.
e) Panorámicas: pan right, pan left.
f ) Zoom: in, back.
g) Disolvencia:
h) Fade: in, out.
El casting
Es considerada como la parte medular en el proceso de la pre-producción de una cinta ya que aquí, hay que seleccionar a los actores y actrices que encarnarán a los personajes surgidos de la pluma de uno o varios escritores.
Definición e importancia
Como casting vamos a entender que se trata de la adecuada selección de actores que se lleva a cabo antes de iniciar el rodaje de cualquier producción cinematográfica.
En términos generales, hay dos tipos de intérpretes en el cine: por una parte, los actores profesionales con escuela y técnica, entrenados en su oficio y en su lenguaje expresivo. Por otra parte, existen los llamados "tipos", los personajes directos tomados de la vida cotidiana, que pueden ser intérpretes ocasionales y a veces excepcionales en un papel determinado.
De esta dualidad deriva la importancia del casting, ya que de la correcta o incorrecta selección de un actor o actriz puede significar el éxito o fracaso de nuestra producción.
Ejemplos:
Michelle Pfeiffer como Clarice Starling, finalmente interpretada por Jodie Foster en «El Silencio de los Inocentes (The Silence of the Lambs)».
Burt Lancaster como Vito Corleone, finalmente interpretado por Marlon Brando en «El Padrino (The Godfather)».
Eric Stoltz como Marty McFly, finalmente interpretado por Michael J. Fox en «Volver al Futuro (Back to the Future)».
Tom Selleck como Indiana Jones, finalmente interpretado por Harrison Ford en «Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark)».
Sean Young como Gatúbela, finalmente interpretada por Michelle Pfeiffer en «Batman Regresa (Batman Returns)».
Robin Williams como El Acertijo, finalmente interpretado por Jim Carrey en «Batman Eternamente (Batman Forever)».
Daniel Day-Lewis como Andrew Becket, finalmente interpretado por Tom Hanks en «Philadelphia».
Daniel Day-Lewis como Aragón, finalmente interpretado por Vigo Mortensen en la trilogía «El señor de los anillos (The lord of the rings)».
Jeremy Irons como Hannibal Lecter, finalmente interpretado por Anthony Hopkins en «El silencio de los inocentes (The silence of the lambs)».
Ashley Judd y Sandra Bullock como Maggie Fitzgerald, finalmente interpretada por Hilary Swank en «Golpes del destino (Million dollar baby)».
Will Smith como Neo, finalmente interpretado por Keanu Reeves en la trilogía «The Matrix».
Meg Ryan y Demi Moore como Vivian Ward, finalmente interpretada por Julia Roberts en «Mujer bonita (Pretty woman)».
Leonardo DiCaprio como Robin, finalmente interpretado por Chris O’Donnell en «Batman eternamente (Batman forever)».
Sean Connery como Gandalf, finalmente interpretado por Ian McKellen en la trilogía «El señor de los anillos (The lord of the rings)».
Sean Connery como Morpheus, finalmente interpretado por Lawrence Fishburne en la trilogía «The Matrix».
Gwyneth Paltrow como Rose, finalmente interpretada por Kate Winslet en «Titanic».
Tom Cruise como Edward Scissorhands, finalmente interpretado por Johnny Deep en «El joven manos de tijera (Edward Scissorhands)».
Tom Cruise como Richard Hoover, finalmente interpretado por Greg Kinnear en «Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine)».
George Raft como Sam Spade, finalmente interpretado por Humphrey Bogart en «El halcón maltes (The maltese falcon)».
Susan Hayward y Doris Day como la Sra. Robinson, finalmente interpretada por Anne Bancroft en «El graduado (The graduate)».
Cary Grant y James Cagney como Henry Higgins, finalmente interpretado por Rex Harrison en «Mi bella dama (My fair lady)».
Gary Cooper y Errol Flynn como Reth Butler, finalmente interpretado por Clark Gable en «Lo que el viento se llevó (Gone with the wind)».
Ronald Reagan y Ann Sheridan como Rick e Ilsa, finalmente interpretados por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en «Casablanca».
Marlon Brando como T.E. Lawrence, finalmente interpretado por Peter O’Toole en «Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia)».
John Travolta como fue considerado para los papeles principales en «Giggolo americano (American gigolo)» y «Reto al destino (An Officer and a Gentleman)», y al rechazarlos, la elección fue Richard Gere.
Robert Redford como Superman, finalmente interpretado por Christopher Reeve en «Superman (Superman: the motion picture)».
Nicolas Cage como Superman, finalmente interpretado por Brandon Routh en «Superman regresa (Superman returns)».
Y podemos encontrar así un largo etcétera …
Proceso de selección
Hay muchos sistemas y temperamentos para actuar ante las cámaras y para dirigir a los actores, pero siempre es fundamental en el director una gran comprensión y sentido humano para entender la estructura psicológica del actor, es decir, para poder transformarse en público cuando se está filmando.
El actor debe sentir la presencia atenta y la comprensión de un director pendiente del desarrollo de la interpretación, capaz de utilizar al máximo los recursos, la espontaneidad y la capacidad total del acto.
El proceso de trabajo del director frente al intérprete se resume en tres etapas:
a) Análisis del Guión, los Personajes y la Progresión de la Acción.
Se trata aquí de establecer con claridad las líneas determinantes del comportamiento interior y exterior de cada personaje, así como determinar los puntos claves del desarrollo argumental, ya que hay momentos de la acción que significan "picos" de intensidad y significación. La fijación de estos lineamientos de progresión narrativa es fundamental, pues determina con claridad la preparación de cada etapa.
b) Contacto Personal con el Intérprete.
Este contacto se establece antes del rodaje y servirá para determinar las modalidades exteriores del personaje analizado en el guión y de acuerdo con las características personales del intérprete.
c) Integración del Personaje al Medio Cinematográfico.
Durante la preparación de su "encuadre", el director tiene que visualizar cómo será visto el actor por el espectador; las posiciones de la cámara, los ángulos, qué movimientos estará efectuando simultáneamente la cámara y si éstos estarán alternados con otros, además, se determina también el tipo de maquillaje a utilizar para la caracterización.
Este pensamiento expresivo es sumamente importante y difícil, ya que requiere del realizador una gran capacidad de imaginación visual para prever las angulaciones expresivamente más adecuadas, requiere también un sólido conocimiento de los objetivos y sus posibilidades, así como habilidad para planear las tomas sucesivas de manera que los enlaces sean correctos.
El casting de locaciones
Al igual que el casting de actores, escoger las locaciones adecuadas es de vital importancia para el correcto desarrollo de la producción.
En cine, básicamente se trabaja en tres tipos de locación:
a) En estudio (set cinematográfico).
b) Locaciones exteriores: restaurantes, oficinas, casas, etc.
c) Locaciones Prefabricadas: construcción específica de escenografías (para recrear una época o lugar determinado).
En el caso de las locaciones exteriores se realiza un estudio fotográfico previo de los lugares seleccionados para determinar los ángulos y posiciones de la cámara, la ubicación de los personajes y el tipo de iluminación.
En el caso de las locaciones prefabricadas se realiza el proceso de construcción de acuerdo a la técnica de los 7 puntos.
Producción
Tiempos fílmicos
Se distinguen 4 tiempos:
1. Tiempo de Condensación: el tiempo de proyección del filme dura menos que la historia que se proyecta.
2. Tiempo de Distensión: el tiempo de proyección del filme dura más que la historia que se proyecta.
3. Flashback: se inicia con un presente de la historia que se explica con un regreso al pasado para comprenderlo.
4. Tiempo de Simultaneidad: cuando se realiza un montaje paralelo (versión tiempo).
Progresión narrativa
Consta de cuatro etapas:
1. Introducción Expositiva; es la apertura del film con el enunciado de los términos de la acción o del conflicto que se va a desarrollar. Tiene doble importancia:
a) Fija con claridad los personajes, la situación, el ambiente, los elementos que van a jugar en el
desarrollo del film.
b) Introduce al espectador en el clima del film, ya que al iniciarse éste, el espectador esta ajeno,
indiferente o simplemente expectante, y necesita una captación emotiva que lo ubique como
participante, o como espectador activo e interesado.
2. Progresión o Desarrollo; entendemos aquí el enfrentamiento de los distintos componentes de la acción: protagonista y antagonista, acción y reacción, personaje y medio ambiente, tendencias dinámicas y estáticas, etc.
3. Clímax; es el enfrentamiento directo de las distintas tendencias, personajes o situaciones. Culminación de una lucha, de un conflicto amoroso, de una tensión dramática, de una dificultad técnica o social, etc.
4. Desenlace; es la significación posterior al conflicto. Es la nueva etapa de la relación de los componentes luego del choque. El proceso que se describe ha pasado de un estado a otro a través del conflicto.
Es considerada como la parte medular en el proceso de la pre-producción de una cinta ya que aquí, hay que seleccionar a los actores y actrices que encarnarán a los personajes surgidos de la pluma de uno o varios escritores.
Definición e importancia
Como casting vamos a entender que se trata de la adecuada selección de actores que se lleva a cabo antes de iniciar el rodaje de cualquier producción cinematográfica.
En términos generales, hay dos tipos de intérpretes en el cine: por una parte, los actores profesionales con escuela y técnica, entrenados en su oficio y en su lenguaje expresivo. Por otra parte, existen los llamados "tipos", los personajes directos tomados de la vida cotidiana, que pueden ser intérpretes ocasionales y a veces excepcionales en un papel determinado.
De esta dualidad deriva la importancia del casting, ya que de la correcta o incorrecta selección de un actor o actriz puede significar el éxito o fracaso de nuestra producción.
Ejemplos:
Michelle Pfeiffer como Clarice Starling, finalmente interpretada por Jodie Foster en «El Silencio de los Inocentes (The Silence of the Lambs)».
Burt Lancaster como Vito Corleone, finalmente interpretado por Marlon Brando en «El Padrino (The Godfather)».
Eric Stoltz como Marty McFly, finalmente interpretado por Michael J. Fox en «Volver al Futuro (Back to the Future)».
Tom Selleck como Indiana Jones, finalmente interpretado por Harrison Ford en «Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark)».
Sean Young como Gatúbela, finalmente interpretada por Michelle Pfeiffer en «Batman Regresa (Batman Returns)».
Robin Williams como El Acertijo, finalmente interpretado por Jim Carrey en «Batman Eternamente (Batman Forever)».
Daniel Day-Lewis como Andrew Becket, finalmente interpretado por Tom Hanks en «Philadelphia».
Daniel Day-Lewis como Aragón, finalmente interpretado por Vigo Mortensen en la trilogía «El señor de los anillos (The lord of the rings)».
Jeremy Irons como Hannibal Lecter, finalmente interpretado por Anthony Hopkins en «El silencio de los inocentes (The silence of the lambs)».
Ashley Judd y Sandra Bullock como Maggie Fitzgerald, finalmente interpretada por Hilary Swank en «Golpes del destino (Million dollar baby)».
Will Smith como Neo, finalmente interpretado por Keanu Reeves en la trilogía «The Matrix».
Meg Ryan y Demi Moore como Vivian Ward, finalmente interpretada por Julia Roberts en «Mujer bonita (Pretty woman)».
Leonardo DiCaprio como Robin, finalmente interpretado por Chris O’Donnell en «Batman eternamente (Batman forever)».
Sean Connery como Gandalf, finalmente interpretado por Ian McKellen en la trilogía «El señor de los anillos (The lord of the rings)».
Sean Connery como Morpheus, finalmente interpretado por Lawrence Fishburne en la trilogía «The Matrix».
Gwyneth Paltrow como Rose, finalmente interpretada por Kate Winslet en «Titanic».
Tom Cruise como Edward Scissorhands, finalmente interpretado por Johnny Deep en «El joven manos de tijera (Edward Scissorhands)».
Tom Cruise como Richard Hoover, finalmente interpretado por Greg Kinnear en «Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine)».
George Raft como Sam Spade, finalmente interpretado por Humphrey Bogart en «El halcón maltes (The maltese falcon)».
Susan Hayward y Doris Day como la Sra. Robinson, finalmente interpretada por Anne Bancroft en «El graduado (The graduate)».
Cary Grant y James Cagney como Henry Higgins, finalmente interpretado por Rex Harrison en «Mi bella dama (My fair lady)».
Gary Cooper y Errol Flynn como Reth Butler, finalmente interpretado por Clark Gable en «Lo que el viento se llevó (Gone with the wind)».
Ronald Reagan y Ann Sheridan como Rick e Ilsa, finalmente interpretados por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en «Casablanca».
Marlon Brando como T.E. Lawrence, finalmente interpretado por Peter O’Toole en «Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia)».
John Travolta como fue considerado para los papeles principales en «Giggolo americano (American gigolo)» y «Reto al destino (An Officer and a Gentleman)», y al rechazarlos, la elección fue Richard Gere.
Robert Redford como Superman, finalmente interpretado por Christopher Reeve en «Superman (Superman: the motion picture)».
Nicolas Cage como Superman, finalmente interpretado por Brandon Routh en «Superman regresa (Superman returns)».
Y podemos encontrar así un largo etcétera …
Proceso de selección
Hay muchos sistemas y temperamentos para actuar ante las cámaras y para dirigir a los actores, pero siempre es fundamental en el director una gran comprensión y sentido humano para entender la estructura psicológica del actor, es decir, para poder transformarse en público cuando se está filmando.
El actor debe sentir la presencia atenta y la comprensión de un director pendiente del desarrollo de la interpretación, capaz de utilizar al máximo los recursos, la espontaneidad y la capacidad total del acto.
El proceso de trabajo del director frente al intérprete se resume en tres etapas:
a) Análisis del Guión, los Personajes y la Progresión de la Acción.
Se trata aquí de establecer con claridad las líneas determinantes del comportamiento interior y exterior de cada personaje, así como determinar los puntos claves del desarrollo argumental, ya que hay momentos de la acción que significan "picos" de intensidad y significación. La fijación de estos lineamientos de progresión narrativa es fundamental, pues determina con claridad la preparación de cada etapa.
b) Contacto Personal con el Intérprete.
Este contacto se establece antes del rodaje y servirá para determinar las modalidades exteriores del personaje analizado en el guión y de acuerdo con las características personales del intérprete.
c) Integración del Personaje al Medio Cinematográfico.
Durante la preparación de su "encuadre", el director tiene que visualizar cómo será visto el actor por el espectador; las posiciones de la cámara, los ángulos, qué movimientos estará efectuando simultáneamente la cámara y si éstos estarán alternados con otros, además, se determina también el tipo de maquillaje a utilizar para la caracterización.
Este pensamiento expresivo es sumamente importante y difícil, ya que requiere del realizador una gran capacidad de imaginación visual para prever las angulaciones expresivamente más adecuadas, requiere también un sólido conocimiento de los objetivos y sus posibilidades, así como habilidad para planear las tomas sucesivas de manera que los enlaces sean correctos.
El casting de locaciones
Al igual que el casting de actores, escoger las locaciones adecuadas es de vital importancia para el correcto desarrollo de la producción.
En cine, básicamente se trabaja en tres tipos de locación:
a) En estudio (set cinematográfico).
b) Locaciones exteriores: restaurantes, oficinas, casas, etc.
c) Locaciones Prefabricadas: construcción específica de escenografías (para recrear una época o lugar determinado).
En el caso de las locaciones exteriores se realiza un estudio fotográfico previo de los lugares seleccionados para determinar los ángulos y posiciones de la cámara, la ubicación de los personajes y el tipo de iluminación.
En el caso de las locaciones prefabricadas se realiza el proceso de construcción de acuerdo a la técnica de los 7 puntos.
Producción
Tiempos fílmicos
Se distinguen 4 tiempos:
1. Tiempo de Condensación: el tiempo de proyección del filme dura menos que la historia que se proyecta.
2. Tiempo de Distensión: el tiempo de proyección del filme dura más que la historia que se proyecta.
3. Flashback: se inicia con un presente de la historia que se explica con un regreso al pasado para comprenderlo.
4. Tiempo de Simultaneidad: cuando se realiza un montaje paralelo (versión tiempo).
Progresión narrativa
Consta de cuatro etapas:
1. Introducción Expositiva; es la apertura del film con el enunciado de los términos de la acción o del conflicto que se va a desarrollar. Tiene doble importancia:
a) Fija con claridad los personajes, la situación, el ambiente, los elementos que van a jugar en el
desarrollo del film.
b) Introduce al espectador en el clima del film, ya que al iniciarse éste, el espectador esta ajeno,
indiferente o simplemente expectante, y necesita una captación emotiva que lo ubique como
participante, o como espectador activo e interesado.
2. Progresión o Desarrollo; entendemos aquí el enfrentamiento de los distintos componentes de la acción: protagonista y antagonista, acción y reacción, personaje y medio ambiente, tendencias dinámicas y estáticas, etc.
3. Clímax; es el enfrentamiento directo de las distintas tendencias, personajes o situaciones. Culminación de una lucha, de un conflicto amoroso, de una tensión dramática, de una dificultad técnica o social, etc.
4. Desenlace; es la significación posterior al conflicto. Es la nueva etapa de la relación de los componentes luego del choque. El proceso que se describe ha pasado de un estado a otro a través del conflicto.
POST-PRODUCCIÓN
Las imágenes filmadas en la fase de producción se unen en un proceso de edición; para editar esas imágenes se necesita mínimo el siguiente equipo:
1. Editora: máquina que une los diferentes trozos de película correspondientes a las tomas del guión.
2. Moviola: dispositivo para embobinar manualmente la película.
3. Proyector: sólo proyecta la imagen, no tiene cabeza de sonido.
Esta fase se realiza en dos etapas: primer montaje y montaje definitivo.
Primer montaje y montaje definitivo
Las bases del montaje se sustentan en varias necesidades:
a) Necesidad objetiva de reunir los distintos trozos de que se compone una película.
b) Necesidad de eslabonar la línea de desarrollo temporal de una acción o un concepto.
c) Necesidad de seleccionar y sintetizar los momentos más significativos, descartando los superfluos, imponiendo al todo un ordenamiento y un ritmo adecuados.
d) Necesidad de utilizar las posibilidades expresivas de la sucesión y yuxtaposición de las distintas tomas, a veces independientes de su significado literal.
El editor conserva las mejores tomas de un mismo número y arma la secuencia; asimismo, efectúa los enlaces al quitar las tomas no significativas que retardan la acción, siempre teniendo en cuenta las convenciones de tiempo y espacio.
El editor realiza un buen trabajo, cuando de cortar y unir trozos de cinta obtiene un primer montaje de ritmo fluido y sin material superfluo. Este es el borrador de la película; el segundo y definitivo que nos da la factura profunda de la obra acabada, es el del director.
El primer montaje o borrador consiste en unir las diferentes tomas indicadas en el guión; los efectos visuales (fotográficos, mecánicos y por computadora) se realizan en esta etapa.
En el montaje definitivo se añaden al borrador todas las señales auditivas destinadas a la cinta, que tienen un mezclado previo antes de vaciarse a la pista sonora de la película. Las diferentes señales sonoras pueden ser: sonido original sincrónico, sonido original asincrónico, sonido tomado del stock, efectos sonoros especiales, play backs y musicalización.
El doblaje
Es un trabajo realizado durante la fase de post-producción consistente en subtitular a diferentes idiomas o doblar la voz de los personajes por medio de un proceso de traducción antes de que la cinta llegue a su fase de exhibición en los diferentes países.
Tipos de doblaje
El filme es esencialmente un medio de comunicación universal por la imagen, pero esa universalidad se interfiere por el elemento verbal. Para superar esa barrera idiomática se han ideado los subtítulos, el comentario y el doblaje.
a) Subtítulo: es una traducción resumida del diálogo que aparece escrita bajo la imagen. En algunos países con diversas lenguas se ha optado porque la traducción en las lenguas mayoritarias aparezca en una pequeña pantalla anexa a la pantalla grande.
b) Comentario: consiste en que un narrador va describiendo la acción platicando la película a los asistentes. Esto resulta fácil en un documental, pero difícil cuando el diálogo es vario y abundante. Para ello en algunos países de oriente varios locutores improvisan un diálogo con el mismo sistema empleado para la sonorización de las películas mudas.
c) Doblaje: es una post-sincronización que substituye el diálogo original por una traducción grabada.
El doblaje es una técnica que requiere de cuidados y elaborados pasos consistentes en:
1. La redacción de un texto traducido literalmente del diálogo original.
2. Los textos de estas traducciones deben tener el mismo número de sílabas que el original.
3. Sus palabras deben corresponder a las expresiones de los actores y al movimiento de los labios.
Los actores que van a realizar el doblaje se colocan frente a una pantalla en la que se proyectan las imágenes que se van a doblar. Los textos van con indicaciones fonéticas.
Otro método de doblaje es doblar la frase: la imagen es proyectada en banda sinfín, mientras el actor repite ante la pantalla el texto aprendido de memoria, obteniéndose varias grabaciones. Este método da resultados notables por la fidelidad que se obtiene, aunque resulta caro.
Cada uno de los tres métodos presenta ventajas y desventajas:
a) Subtítulo: el sub titulaje estropea la imagen, especialmente cuando se trata de acercamientos. Cuando el diálogo es abundante el espectador medio tiene que escoger entre leer o ver la película; además es un medio de comunicación muy limitado pues excluye a los niños y adultos analfabetas.
b) Comentario: pueden resultar sumamente cansados porque es imposible conseguir comentaristas talentosos para cada una de las salas cinematográficas, y aunque puede ser una solución satisfactoria para gente de bajo nivel intelectual, una gente culta prefiere no entender o entender parcialmente una película a que se la comenten.
c) Doblaje: el doblaje altera el texto y en ocasiones el sentido original; también al dotar al actor de otra voz puede alterarse su personalidad.
La publicidad de las películas
Durante los inicios de la industria cinematográfica las campañas publicitarias las elaboraba el departamento de publicidad y propaganda de cada estudio. El jefe ejecutivo de ese departamento trabajaba con el jefe del estudio para diseñar una campaña que, en su opinión, hacia justicia a la película y tenía la mejor oportunidad para atraer a un público extenso. Encargaba a los copistas a que ayudaran a buscar la copia adecuada que sustentara el concepto del anuncio y así mismo, pedía a los artistas que ejecutaran los diseños gráficos. El enfoque global se originaba en su departamento, bajo su control.
El campo publicitario de las películas cinematográficas está diseñado para atraer clientes a las taquillas pero, ¿a qué tipo de clientes? y, ¿cómo deciden los clientes lo que quieren ver?.
El señor Paul Lazaruz III en su libro «El Productor Fílmico» expresa que la publicidad de las películas cinematográficas cuenta con los siguientes objetivos:
1. Deberá implementar el conocimiento sobre la película en las mentes del público.
2. Deberá proporcionar a los espectadores información acerca de la película.
3. Deberá destacar las cualidades que hacen que la película sea única.
4. La publicidad debe funcionar persuasivamente; esto es, como un medio que incite a que el público se
decida a ver nuestra película.
FORMAS DE PUBLICIDAD:
1.- TRAILER O AVANCE
Cortometraje usado con efectos publicitarios compuesto por escenas del film cuya publicidad se trata de hacer, seleccionadas con orden ajeno a aquel en que figura la película completa, con el objeto de despertar el interés sobre el posible público.
Su exhibición se realiza dentro de las salas cinematográficas y puede ser antes o al término de la función y su duración aproximada es de dos a tres minutos. Su elaboración es parecida a la de una película y se lleva a cabo también en los estudios de filmación.
Los primeros trabajos de un trailer se hacen sobre papel; se elabora un proyecto señalando en un lado las escenas de la película que deberán incluirse y en otro el diálogo de la película o la voz del narrador anunciándola y exaltando títulos especiales, que también señalan los puntos de la película.
2.- CARTEL O AFFICHE
Es un medio empleado por la publicidad cinematográfica para la campaña de lanzamiento de una película, cuya técnica se integra dentro del diseño gráfico publicitario. Sus dimensiones oscilan entre 120 x 160 cm., 160 x 240 cm., y 240 x 320 cm., aunque actualmente existen espectaculares y murales.
La forma de realización del cartel de una película se planea al principio, durante la producción del filme, el productor debe asociarse con el fotógrafo y el publicista de la unidad. En el caso del primero, con frecuencia requiere de la ayuda del productor para que interceda con las estrellas del filme, a fin de que posen para las fotografías fijas. Muchos protagonistas tienen el derecho de dar su aprobación o negativa respecto a las fotografías en las que aparecen por cuestiones de contrato.
La información básica que debe contener un cartel es: título de la cinta, adjetivos de importancia, actores, director, productor, guionista, director de fotografía, editor, musicalizador y distribuidora.
El trailer y el cartel son proporcionados a los cines por medio de una contratación previa con los distribuidores a través de las hojas de información publicitaria que cuentan con los diversos tipos y tamaños de cartel puestos a escala, así como una sinopsis de la película y los tipos de trailer con los que cuenta; esto con el fin de que las salas soliciten los carteles que a ellos les convenga, de acuerdo al tamaño de cada una.
Las imágenes filmadas en la fase de producción se unen en un proceso de edición; para editar esas imágenes se necesita mínimo el siguiente equipo:
1. Editora: máquina que une los diferentes trozos de película correspondientes a las tomas del guión.
2. Moviola: dispositivo para embobinar manualmente la película.
3. Proyector: sólo proyecta la imagen, no tiene cabeza de sonido.
Esta fase se realiza en dos etapas: primer montaje y montaje definitivo.
Primer montaje y montaje definitivo
Las bases del montaje se sustentan en varias necesidades:
a) Necesidad objetiva de reunir los distintos trozos de que se compone una película.
b) Necesidad de eslabonar la línea de desarrollo temporal de una acción o un concepto.
c) Necesidad de seleccionar y sintetizar los momentos más significativos, descartando los superfluos, imponiendo al todo un ordenamiento y un ritmo adecuados.
d) Necesidad de utilizar las posibilidades expresivas de la sucesión y yuxtaposición de las distintas tomas, a veces independientes de su significado literal.
El editor conserva las mejores tomas de un mismo número y arma la secuencia; asimismo, efectúa los enlaces al quitar las tomas no significativas que retardan la acción, siempre teniendo en cuenta las convenciones de tiempo y espacio.
El editor realiza un buen trabajo, cuando de cortar y unir trozos de cinta obtiene un primer montaje de ritmo fluido y sin material superfluo. Este es el borrador de la película; el segundo y definitivo que nos da la factura profunda de la obra acabada, es el del director.
El primer montaje o borrador consiste en unir las diferentes tomas indicadas en el guión; los efectos visuales (fotográficos, mecánicos y por computadora) se realizan en esta etapa.
En el montaje definitivo se añaden al borrador todas las señales auditivas destinadas a la cinta, que tienen un mezclado previo antes de vaciarse a la pista sonora de la película. Las diferentes señales sonoras pueden ser: sonido original sincrónico, sonido original asincrónico, sonido tomado del stock, efectos sonoros especiales, play backs y musicalización.
El doblaje
Es un trabajo realizado durante la fase de post-producción consistente en subtitular a diferentes idiomas o doblar la voz de los personajes por medio de un proceso de traducción antes de que la cinta llegue a su fase de exhibición en los diferentes países.
Tipos de doblaje
El filme es esencialmente un medio de comunicación universal por la imagen, pero esa universalidad se interfiere por el elemento verbal. Para superar esa barrera idiomática se han ideado los subtítulos, el comentario y el doblaje.
a) Subtítulo: es una traducción resumida del diálogo que aparece escrita bajo la imagen. En algunos países con diversas lenguas se ha optado porque la traducción en las lenguas mayoritarias aparezca en una pequeña pantalla anexa a la pantalla grande.
b) Comentario: consiste en que un narrador va describiendo la acción platicando la película a los asistentes. Esto resulta fácil en un documental, pero difícil cuando el diálogo es vario y abundante. Para ello en algunos países de oriente varios locutores improvisan un diálogo con el mismo sistema empleado para la sonorización de las películas mudas.
c) Doblaje: es una post-sincronización que substituye el diálogo original por una traducción grabada.
El doblaje es una técnica que requiere de cuidados y elaborados pasos consistentes en:
1. La redacción de un texto traducido literalmente del diálogo original.
2. Los textos de estas traducciones deben tener el mismo número de sílabas que el original.
3. Sus palabras deben corresponder a las expresiones de los actores y al movimiento de los labios.
Los actores que van a realizar el doblaje se colocan frente a una pantalla en la que se proyectan las imágenes que se van a doblar. Los textos van con indicaciones fonéticas.
Otro método de doblaje es doblar la frase: la imagen es proyectada en banda sinfín, mientras el actor repite ante la pantalla el texto aprendido de memoria, obteniéndose varias grabaciones. Este método da resultados notables por la fidelidad que se obtiene, aunque resulta caro.
Cada uno de los tres métodos presenta ventajas y desventajas:
a) Subtítulo: el sub titulaje estropea la imagen, especialmente cuando se trata de acercamientos. Cuando el diálogo es abundante el espectador medio tiene que escoger entre leer o ver la película; además es un medio de comunicación muy limitado pues excluye a los niños y adultos analfabetas.
b) Comentario: pueden resultar sumamente cansados porque es imposible conseguir comentaristas talentosos para cada una de las salas cinematográficas, y aunque puede ser una solución satisfactoria para gente de bajo nivel intelectual, una gente culta prefiere no entender o entender parcialmente una película a que se la comenten.
c) Doblaje: el doblaje altera el texto y en ocasiones el sentido original; también al dotar al actor de otra voz puede alterarse su personalidad.
La publicidad de las películas
Durante los inicios de la industria cinematográfica las campañas publicitarias las elaboraba el departamento de publicidad y propaganda de cada estudio. El jefe ejecutivo de ese departamento trabajaba con el jefe del estudio para diseñar una campaña que, en su opinión, hacia justicia a la película y tenía la mejor oportunidad para atraer a un público extenso. Encargaba a los copistas a que ayudaran a buscar la copia adecuada que sustentara el concepto del anuncio y así mismo, pedía a los artistas que ejecutaran los diseños gráficos. El enfoque global se originaba en su departamento, bajo su control.
El campo publicitario de las películas cinematográficas está diseñado para atraer clientes a las taquillas pero, ¿a qué tipo de clientes? y, ¿cómo deciden los clientes lo que quieren ver?.
El señor Paul Lazaruz III en su libro «El Productor Fílmico» expresa que la publicidad de las películas cinematográficas cuenta con los siguientes objetivos:
1. Deberá implementar el conocimiento sobre la película en las mentes del público.
2. Deberá proporcionar a los espectadores información acerca de la película.
3. Deberá destacar las cualidades que hacen que la película sea única.
4. La publicidad debe funcionar persuasivamente; esto es, como un medio que incite a que el público se
decida a ver nuestra película.
FORMAS DE PUBLICIDAD:
1.- TRAILER O AVANCE
Cortometraje usado con efectos publicitarios compuesto por escenas del film cuya publicidad se trata de hacer, seleccionadas con orden ajeno a aquel en que figura la película completa, con el objeto de despertar el interés sobre el posible público.
Su exhibición se realiza dentro de las salas cinematográficas y puede ser antes o al término de la función y su duración aproximada es de dos a tres minutos. Su elaboración es parecida a la de una película y se lleva a cabo también en los estudios de filmación.
Los primeros trabajos de un trailer se hacen sobre papel; se elabora un proyecto señalando en un lado las escenas de la película que deberán incluirse y en otro el diálogo de la película o la voz del narrador anunciándola y exaltando títulos especiales, que también señalan los puntos de la película.
2.- CARTEL O AFFICHE
Es un medio empleado por la publicidad cinematográfica para la campaña de lanzamiento de una película, cuya técnica se integra dentro del diseño gráfico publicitario. Sus dimensiones oscilan entre 120 x 160 cm., 160 x 240 cm., y 240 x 320 cm., aunque actualmente existen espectaculares y murales.
La forma de realización del cartel de una película se planea al principio, durante la producción del filme, el productor debe asociarse con el fotógrafo y el publicista de la unidad. En el caso del primero, con frecuencia requiere de la ayuda del productor para que interceda con las estrellas del filme, a fin de que posen para las fotografías fijas. Muchos protagonistas tienen el derecho de dar su aprobación o negativa respecto a las fotografías en las que aparecen por cuestiones de contrato.
La información básica que debe contener un cartel es: título de la cinta, adjetivos de importancia, actores, director, productor, guionista, director de fotografía, editor, musicalizador y distribuidora.
El trailer y el cartel son proporcionados a los cines por medio de una contratación previa con los distribuidores a través de las hojas de información publicitaria que cuentan con los diversos tipos y tamaños de cartel puestos a escala, así como una sinopsis de la película y los tipos de trailer con los que cuenta; esto con el fin de que las salas soliciten los carteles que a ellos les convenga, de acuerdo al tamaño de cada una.
Bibliografía
“El séptimo arte. Un acercamiento a la cinematografía”.
Guadalajara, Jalisco, México
SEP – INDAUTOR.
Autor: Moreno Álvarez, Jorge
Título: El séptimo arte. Un acercamiento a la cinematografía
Rama: Compilación de datos
Titular: Moreno Álvarez, Jorge
Nº Registro: 03-2000-012710281400-01
México D.F., a 9 de marzo de 2000
Sufragio efectivo, no reelección
La directora de registro: Elodia García Barajas
Guadalajara, Jalisco, México
SEP – INDAUTOR.
Autor: Moreno Álvarez, Jorge
Título: El séptimo arte. Un acercamiento a la cinematografía
Rama: Compilación de datos
Titular: Moreno Álvarez, Jorge
Nº Registro: 03-2000-012710281400-01
México D.F., a 9 de marzo de 2000
Sufragio efectivo, no reelección
La directora de registro: Elodia García Barajas